Una instantánea: La búsqueda de la perfección

El 500 aniversario de la muerte de Leonardo da Vinci traerá grandes acontecimientos a París este otoño con la encuesta de carrera más grande y única en el Louvre. Y Nueva York recibe de antemano un disparo de entusiasmo con la apertura en el Met el 15 de julio de una muestra de pintura única de una de las imágenes más crudamente emocionales del canon de Leonardo.

Tomado de: New York Times.

Leonardo fue una estrella desde el principio. Según el historiador de arte del siglo XVI, Giorgio Vasari , sus contemporáneos lo encontraron tremendamente atractivo. (Vasari lo llama «divino» una docena de veces en una biografía de Leonardo de 20 páginas ). Genial, magnífico, inteligente y una placa de moda (parcial a rosa), tenía el equilibrio de un príncipe y una mente reflexiva del filósofo. En su larga carrera como artista, arquitecto, científico e inventor, la gracia y el talento se combinaron para allanar su camino desde la Toscana rural, donde nació en 1452, a las cortes de Milán y la Roma papal, a Francia donde, como artista de mascotas, a Francisco Yo, él murió en 1 519.

Pero esa mentalidad reflexiva causó problemas. Básicamente, antes de que Leonardo hiciera algo, tenía que saberlo todo: cómo se hacían sus pinturas y barnices, cómo estaba estructurado internamente el cuerpo humano y qué significaba crear arte en el esquema cósmico de las cosas.

Esto implicaba, notas de Vasari, investigación, experimentación, mucha conversación y largos períodos de pensamiento silencioso y replanteamiento. En la biografía, el mismo Leonardo explica , para beneficio de un patrocinador importante, que “ cuando los genios más grandes trabajan menos, realmente logran más. «El efecto neto fue que se hizo relativamente poca pintura, y mucho de lo que se inició nunca se terminó.

La pintura en el Met, «San Jerónimo que reza en el desierto», prestada por los Museos Vaticanos, es una de esas imágenes sin terminar. Probablemente comenzó alrededor de 1483, y se ve al instante que es un trabajo en progreso: afinado aquí, abofeteado. Lo incompleto es parte de su poder. Y poderosa es esta imagen, tan dramáticamente rica como una ópera en tres actos, con un aria a toda velocidad de angustia abrasadora en su centro

Igualmente importante, su estado «no finito» es formalmente instructivo. Nos permite ver en acción el método de pintar distraído, parada y arranque de Leonardo.

La imagen es una de una docena de obras tan ampliamente aceptadas como, sin duda, de su mano. Representa a un santo cristiano primitivo que, después de un período de auto-castigo como un asceta del desierto, se estableció durante años en Roma, donde dirigió su atención a la traducción de la Biblia del hebreo y el griego al latín. Muchas pinturas renacentistas de Jerome (347-420 dC) lo muestran inmerso en este trabajo académico, generalmente acompañado por un león dormido, una especie de compañero de apoyo emocional. El estado de ánimo de estas imágenes tiende a tener un ambiente acogedor del Reino pacífico.

La pintura de Leonardo no. Aquí el santo y la bestia son indómitos por igual. Este es el Jerome del desierto salvaje, o tal vez el que terminó muriendo lejos de Roma en una cueva excavada en la roca cerca de Belén. Anciano, casi sin dientes, y quemado por el sol, sostiene una piedra en su mano derecha extendida , como si estuviera a punto de asestarle un golpe penitencial en el pecho. A sus pies está el león, elegante, alerta, con la cola curvada como una cimitarra, boca abierta en un gruñido.

No sabemos nada sobre por qué o para quién se hizo la imagen. Carmen C. Bambach, curadora del Met que organizó la exposición, propone que se inició poco después de que la artista se mudó de Florencia a Milán. Aunque refleja el estilo florentino de Leonardo, y hay un pequeño bosquejo de lo que podría ser una iglesia toscana en la esquina superior derecha, está pintado en un panel de nogal, una madera que se usa comúnmente como soporte en Milán, pero muy rara vez en Florencia.

Los conservadores han encontrado evidencia de que Leonardo dejó el trabajo en un punto temprano y lo recogió de nuevo, posiblemente más de una vez, más tarde. De pie frente a la imagen, que cuelga, resaltada, en una galería oscura en el ala Lehman del Met, puede sentir una sensación de inquietud en las capas de actividad.

En algunas áreas nunca progresó más allá de una etapa preliminar. El león, una silueta rojiza con detalles internos, es un marcador de posición compositivo. Lo mismo ocurre con el brazo de modelado de roca no modelado de Jerome. Pero comenzando justo debajo del hombro, esto cambia. La carne de repente gana sombra; Se desarrolla la musculatura. Este naturalismo se extiende a la cara, una construcción de tendones y huesos que recuerda los dibujos de autopsia de Leonardo.

Sin embargo, incluso dentro de esta precisión clínica, ciertas características son difíciles de leer. De un vistazo, los ojos del santo parecen estar ciegos o abatidos. De hecho, se dirigen hacia arriba a una imagen aparentemente esbozada y fugaz de un crucifijo visto de perfil.

Y, de forma encantadora, justo detrás del santo, aparece un paisaje empañado, que trae el refresco de color, azul cielo, verde árbol, a una escena penumbral. En la representación exacta de la cara y el torso de Jerome vemos la mano y el ojo de Leonardo, el anatomista. En el paisaje, vemos al naturalista, al botánico, al observador del clima, al amante del mundo. Puede decirse algo sobre este amor que encontramos huellas de las huellas dactilares del artista en el pasaje del paisaje donde frotó y dibujó a mano la pintura para crear una atmósfera de enfoque suave.

Aún así, el enfoque real de la pintura es la cara agonizante de Jerome. Y su tema real, en mi opinión, es el dolor espiritual inflamado.

Lo que sabemos es que Leonardo mantuvo el cuadro con él hasta que murió, y luego otra historia se hizo cargo. La obra cae del registro hasta fines del siglo XVIII o principios del XIX cuando la pintora suiza Angélica Kaufmann (1741-1839), que entonces vivía en Roma, la adquirió. En algún momento, se cortaron piezas del panel, probablemente con la idea de vender las secciones más terminadas, y luego se volvieron a ensamblar. En el Met, gracias a la iluminación rastrillada, puedes ver líneas de reparación alrededor de la cabeza del santo.

Por qué Leonardo dejó esta y otras fotos sin terminar, no podemos saberlo. La Sra. Bambach, quien organizó la encuesta de dibujo Leonardo del Met del 2003 y cuyo estudio asombrosamente ambicioso de cuatro volúmenes sobre el artista llamado «Leonardo da Vinci Redescubierto» , aparecerá este mes, sugiere que la respuesta puede estar en su implacable personalidad inquisitiva: en Una forma ahora familiar de Internet, cada búsqueda de información que hizo apareció en enlaces a otras búsquedas, a las que no pudo resistirse.

Y en esto está de acuerdo con el perdonador Vasari, quien escribió: “La mente profunda y discernidora de Leonardo era tan ambiciosa que esto era en sí mismo un impedimento; y la razón por la que falló fue porque se esforzó por agregar excelencia y perfección a la perfección. Como ha dicho nuestro Petrarca, el deseo superó la actuación «.

El resultado, según parecen sugerir ambos historiadores, es un arte que, consciente o no, los privilegios se procesan sobre el acabado, la experimentación sobre la resolución: nunca tuvo que decir «hecho» fue el modo de zona de confort de Leonardo. Y en el caso de la pintura del Vaticano, esto tiene una fantástica recompensa: deja una expresión de emoción febril cada vez más ardiente. Arderá todo el verano, este horno de angustia devoción. El Met mejor mantener su aire acondicionado en alto.